Zócalo es uno de tantos buenos grupos de rock de los años 70, de Uruguay.
Tienen el característico sonido de los grupos de aquel tiempo.
Batería de parches flojos, bajos bien "ton ton" , a ver si me explico mejor, sonidos cortos con muy poco sustain, y bien bajos, la guitarra chillona, del "pingui, pingüi, pingui" ( no les gusta mis onomatopeyas?), y todos sonidos característicos del rock uruguayo de aquellos años.
Este tema no esrealmente característico del sonido de Zócalo pero como a mi me gusta es
el que pongo acá.
Y este es según creo es el tema más conocido de la banda, que es el mismo que
aparece en vieja música uruguaya vol 1 pero interpretado por Sociedad Anónima, que es
La tapa esta diseñada por un artista Ruso LINEKING , que tambien trabaja para Facebook, muy intersante Ver LINEKING: http://gromarog.deviantart.com/ Descarga del propio FLAGG
Realmente no es un tipo de música que me
agrade, pero viendo un video de este grupo, te da que pensar, de la
lucha para gente de laburo que por "desgracia" quiere expresarse
artisticamente y no tiene un mango. Perdón puede parecer rudo, chabacano, etc pero es la realidad de gente muy sincera, muy simple y capaz demasiado uruguaya. Como dicen ellos mismos, ser uruguayo significa que todo te sea dificil, faltan medios, gente, nos falta país.
Lo siguiente es un estrato del blogg de Atrozer
Domingo 15 de agosto de 2010
Ultimo Momento editado en España
El disco Ultimo Momento a sido editado en España por la organización M.U.M.E movimiento under metal en español
Acá les dejamos este link para que puedan ver la cobertura de este evento
Algunas palabras de la organización M.U.M.E
"Cuando todo el esfuerzo fisico e intelectual coordinan con el tiempo
nacen grandes culturas, un ejemplo claro es la agrupacion de URUGUAY,
"ATROZER" 14 años de lucha por el metal; no es de extrañar que se nos
sumen en todo este grito por despertar y fortalecer la escena en Madrid-
España y dejar en clara evidencia que el metal en nuestra lengua, es
una potencia sin limites...."
http://www.youtube.com/watch?v=Q9sPsYe7cvg
Publicado por ATROZER en 14:02 0 comentarios
lunes 14 de junio de 2010
DESCARGA DISCO "ULTIMO MOMENTO" EN UN SOLO LINK Ç
RACONTO HISÓRICO DEL GRUPO CONTADO POR ELLOS MISMOS EN EL AÑO 1994 ALEXIS(guitarra) Y JHONAN
(bajo y vos) COMIENZAN CON EL PROYECTO DE HACER UNA BANDA COMPONIENDO
MUSICAS Y LETRAS. EN EL AÑO 1996 SE UNE AL PROYECTO , ALDO(bateria). EL
PROYECTO SE TRANSFORMA EN UNA BANDA LLAMADA "MARCA ACME" . EN EL AÑO
2006 (cumpleaños nº10 de MARCA ACME) DEBIDO AL CAMBIO DE LA PROPUESTA
MUSICAL MAS EXTREMA DECIDEN CAMBIAR SU NOMBRE POR "ATROZER" MANTENIENDO
LA MISMA FORMACION POR MAS DE DOCE AÑOS LUCHANDO POR EL METAL NACIONAL.
EN EL AÑO 2007 GRABARON SU PRIMER DEMO COMO "ATROZER" LLAMADO "ULTIMO
MOMENTO". EN ESTE MOMENTO ESTAN EN PLENA DIFUSIÓN DE ESTE DEMO Y
COMPONIENDO NUEVOS TEMAS PARA SU FUTURO DISCO. -by mdm- CONTACTOS--->
atrozer.uruguay@adinet.com.uy andramelek1646@gmail.com Tels: 094622702
Este es su sitio webhttp://www.atrozer.blogspot.com/ Busquen en el un video con fecha Sábado 1 de mayo del 2010. En ese video se expresa realmente el
sacificio pero con alegría que realiza el grupo, la sala de ensayo es
donde está el parillero, creo que merece la pena verlo
Zafhfaroni
hasta donde yo sé tiene editado dos vinilos, 48 horas y Bala Cósmica ya
posteados por mí acá, y un casette llamado Matafuego.
Que músicos componian Zafhfaroni?
Los temas
Como ya lo saben si visitaron los otros
posteos de este grupo, es una banda de jazz rock elaborado, los músicos
son de un gran nivel.
Así que espero que lo disfruten Agradezco a Helio Mandeco de quien pronto
estaremos posteando música de él, por la digilitación y posterior envío
del material para postearlo en este blogg.
Amigos y seguidores de este blog; gracias por estar ahí; y quería mencionarles que hace muy poquitos días abrí un nuevo blog.
Que me motivo?... primero estaba en mi cabeza desde hace tiempo, y segundo la sugerencia de mi hijo.
Es
que mi hija Daniela Díaz es una (a mi entender) excelente pintora, y
con el afan de que conozcan sus trabajos por un lado y motivarla a ella a
seguir pintando por otro , ya que hace mucho no hace nada.... y me
parecio bueno abrir un blog con sus pinturas.
Me
falta aún poner sus curriculum, y los nombres de los cuadros los puse
yo hasta que ella me de los nombres verdaderos, o los deja así... no sé.
Los
invito entonces a que pasen por ahí y comenten lo que les guste y lo
que no, así como sugerencias que serán tenidas en cuenta.
El actual director de la Filarmónica de Montevideo Federico García Vigil en bajo.
Roberto Galletti el primer baterista de Totem en batería.
Eduardo Gimenez, Gustavo Oviedo y Alfredo Ferreira en Tambores.
La obra de arte se llama.....
El material es digitalizado a partir de un casette editado por La Batuta en 1983 y del que no hay registro.
La música es lo que se llamaba "Candombe Beat", pero es realmente una obra de arte.
La caractula
Los Músicos
Los Temas
Datos de los músicos extraidos de Wikipendia
Federico García Vigil
Es hijo de Héctor García Moyano y Raquel Vigil Mutuverría, sobrina del escritor Constancio Vigil. Esta pareja poseía una gran inclinación artística y un pensamiento político de índole progresista. Eran admiradores de Federico García Lorca, Mariana Pineda y Emilio Frugoni, a dos de los cuales homenajearían luego con el nombre de sus hijos: Federico y Mariana. Su hermana Mariana García Vigil, al igual que él, se ha valido de la música tanto vocacional como profesionalmente.
Federico concurrió a la escuela Elbio Fernández. Mostró aptitud e interés por la música desde edad temprana, estudiando piano en el Conservatorio Guillermo Kolischer. Más tarde estudió armonía con Fabio Landa, composición con Jiri Bortlichek y orquestación con Charles Schwartz.
En la que representó una de sus primeras incursiones artísticas, integró hacia 1959 la primera formación del exitoso grupo de dixielandThe Hot Blowers, junto a Paco Mañosa, Santiago Grezzi, Edunio Gelpi y Daniel Lencina entre otros. Formaciones posteriores de la banda incluyeron a Rubén Rada y a los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, entre muchos otros artistas de esta generación.
Asimismo, durante su juventud se reunió con frecuencia en una casa que
constituyó un punto neurálgico para la música en ese entonces,
denominado luego "taller de Moisés" ya que, en efecto, se transformó más
tarde en un taller mecánico. Se trataba de la casa de Caio -baterista
de Los Shakers, Chocho -baterista de Los Delfines- y Urbano Moraes. Se constituyó en un punto de reunión para futuros grandes músicos y artistas. Por allí pasaron -además de Federico-, Manolo Guardia, los hermanos Fattoruso, Mingo Medina y Chiche Cabral, entre otros. Es a este lugar que más tarde dedicaría Manolo Guardia el tango denominado "Taller de los inútiles".
A principios de la década del 60, en pleno proceso revolucionario cubano, fue contratado para trabajar en la Orquesta de Ballet de Alicia Alonso en La Habana.
El cambio profundo en la sociedad que la revolución estaba produciendo
maravilló a Federico, que desde un principio simpatizaba con el
movimiento revolucionario. Allí conoció a la mujer que luego sería su
primera esposa, la bailarina de ballet Margarita Fernández, con quien regresó a Uruguay.
Durante 1967, Federico integró una agrupación que actuó, junto con El Kinto, como banda estable del local Orfeo Negro. La banda estaba integrada por Héctor Cardarello en clarinete, «Chiche» Beya en piano, José Pedro Imbelloni en batería y Federico en contrabajo. Al año siguiente, estuvo a cargo de la música de la obra de teatro Libertad, libertad, estrenada en el Teatro El Galpón el 13 de junio de 1968 bajo la dirección de César Campodónico. Asimismo, tocó un tiempo en la primera pieza de la obra como contrabajista, acompañado de Eduardo Mateo en guitarra y Luis Sosa en batería. Durante 1969 tocó junto a Eduardo Mateo en el famoso ciclo de conciertos denominados Musicasiones, a la vez que continuaba su trabajo relacionado con el teatro.
En 1971 fue becado por el Ministerio de Educación y Cultura uruguayo para trasladarse a Buenos Aires, con el fin de proseguir sus estudios de dirección de orquesta con el maestro Simón Blech. Ese mismo año, la Embajada de Francia lo invitó a continuarlos en el conservatorio de Estrasburgo, como discípulo del maestro Jean-Sebastian Bereau y, luego, en la Universidad de París, con Pierre Stoll.
En 1974, invitado por los gobiernos de Gran Bretaña y Alemania,
recorrió las escuelas de dirección de orquesta de ambos países,
profundizando sus conocimientos en el área, y tuvo la oportunidad de
dirigir la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Estrasburgo.
A mediados de la década del 70 conoció a Olga Bérgolo, su actual esposa.
En noviembre de 1978 participó en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta del Festival Villa Lobos en Brasil, dirigió el ensamble Ciudad de Montevideo y la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela.
Luego de un suceso familiar muy desafortunado, vivió un breve período
de adicción al alcohol, adicción a la que felizmente pudo poner fin en
el año 1985.
Desde 1985 hasta 1990 fue Director Titular de la Orquesta Sinfónica Municipal de Montevideo y, entre 1991 y 1994, dirigió la Orquesta Sinfónica de Bogotá. Ha dirigido, además, las Sinfónicas de Argentina, gran parte de las latinoamericanas y varias de Europa y Estados Unidos. También fue intensa su labor como director de Ópera.
En septiembre de 1996 fue distinguido, junto a los maestros Simón Blech e Isaac Karabtchevsky, para dirigir la Orquesta Sinfónica de San Pablo en el Encuentro Sinfónico Internacional "Mercosur Cultural".
Alberto Dogliotti
Compositor y pianista, Dogliotti se instaló en Gran Canaria en el año
1982. Fue muy precoz y empezó a apronder música a los cuatro años. Con
solo cinco años, el Uruguayo ofreció su primer concierto de piano. Pudo
estudiar piano en Viena gracias a una beca. Obtuvo otra ayuda para
continuar su formación en la URSS, pero la rechazó. Durante su juventud
actuó en Bulgaria, Rumania, Hungría, Francia e Italia. A los 18 años,
regresó a Uruguay y descubrió el Jazz. Formó una banda que recorrió los
hoteles de lujo de Sudamérica entre los años 60 y 70. El salto
definitivo a Europa se produjo en 1977, ya sin grupo. En esas fechas,
vivió durante un año en el hotel Sheraton de Tel Aviv, donde conoció a
Stan Getz, con el que trabó una cordial amistad y llegó a tocar en una
fiesta privada en la casa del embajador estadounidense en Israel. Entre
1970 y 1977 grabó doce discos en los que fusionó el sonido tradicional
de la percusión del candombé con el del organo electrónico. Durante su
intensa y azarosa carrera musical compartió cartel con Vinicius de
Moraes y Toquinho en un casino de la localidad uruguaya de Punta del
Este y acompañó con el órgano a la mítica voz de María Creuza. Perdió la vida una semana después de abrir este Myspace.
En uno de los momento más álgidos de su carrera. Tenía en mente decenas
de proyectos dispuestos a llevar adelante con la misma ilusión de
siempre. Nos ha dejado un buen legado de temas con el que siempre le
recordaremos, y a los que tuvimos la suerte de conocerlo, la gran
satisfacción de haber compartido un trozo de nuestra vida con él.
Gracias Maestro y hasta
siempre!
Hugo Jasa nació el 24 de octubre de1959 en Montevideo Uruguay. Es
compositor, arreglador, baterista y también ejecuta el piano y la
guitarra.
Desde 1976 a 1980 cursó en el Conservatorio Universitario de Música.
Estudió Musicología, Composición y Dirección Orquestal.
Técnico de grabación desde 1980 a 1994.
En 1982 compuso la música de la película “Gurí” de Eduardo Darino.
De 1984 a 1986 concurrió a U.C.U.D.A.L. y cursó Armonía y Contrapunto con
Héctor Tosar.
De 1986 a 1988 estudió en el Conservatorio Falleri Balzo, Composición con
Marino Rivero y René Pietrafesa.
En 1988 concurrió al XII Curso Latinoamericano de Música Contemporánea
en Tatuí (Brasil Sao Paulo).
En 1990 editó un disco solista titulado “Estados de ánimo” (música para
ballet). Se estrenó en Octubre de 1991 por el cuerpo de baile del SODRE en
la ciudad de Montevideo.
Entre 1993 y 1994 compuso la música de la película “Martin Aquino” de
Ricardo Romero.
En 1996 compuso la banda de sonido y la música de “El hombre de Walter” de Carlos Ameglio.
En 1997 compuso la música de la película “Otario” de Diego Arzuaga. Esta
última fue galardonada con el premio a mejor banda musical en el Festival de
Cine Latinoamericano de Nueva York.
En 2002 compuso la música de la película “Corazón de Fuego” también del
director Diego Arsuaga, siendo nominada para los premios “Condor” en la
República Argentina.
Hugo Jasa ha participado como baterista en distintos shows en vivo con:
Genesis, Contraviento, Los Pusilánimes, Siqus, Mateo, Lazaroff, Almango, entre otros.
PREGONES.-
En 1985 Hugo Jasa junto a Carlos Cotelo fundan Pregones, empresa que se
ha dedicado a la composición y diseño de sonido para la publicidad en
Uruguay y Argentina. Este trabajo ha tenido un alcance internacional que
los encuentra actualmente produciendo además de los países ya
mencionados, para España, Francia, Italia, Europa Oriental, Australia y
toda Latinoamérica.
Han obtenido hasta la fecha 156 premios nacionales (5 años consecutivos
mejor Banda de sonido) y 40 premios internacionales (Clío, Fiap, London
Festival, New York Festival y varias veces finalistas en Advertising
Cannes Festival). Pregones obtuvo un FIAP de ORO y DOS DE PLATA en el
FIAP 1999.
Así como también, ha recibido un LEÓN DE BRONCE junto a Slogan DDB
Needham para su cliente Volkswagen Beetle en el FESTIVAL DE CANNES 1999 y
ORO en el NEW YORK FESTIVAL 2000.
En agosto del 2000 Pregones recibió el PREMIO A LA EXCELENCIA en las comunicaciones en el rubro “ música y estudio de audio “
En junio del 2001 ganó el CLÍO DE PLATA en Miami con su cliente
Volkswagen tema “ Manos “ y en julio del mismo año el ORO y GRAND PRIX
en el EAGLE AWARDS en Méjico.
Además de Uruguay, en , 1999,2000 y 2001 Pregones produjo para las siguientes agencias en distintos países.... Extrato de http://www.labiografia.com Y yo lo recuerdo con Pippo Spera en Almango (tengo el disco en vinilo que tambien debería digitalizar)
Yo conocí a Roberto Galletti en 1986, en IFU (Tristán Narvaja entre
Cerro Largo y Paysandú); yo estaba grabando mi primer álbum con "Los
Tontos" y él estaba allí, tomando mate junto a la consola y conversando.
Al igual que entonces, hoy sigue siendo una linda persona y un músico
excepcional (algo que vi en el nuevo espectáculo de Diane Denoir;
primera vez que vi a ambos en vivo). Nos encontramos algunas veces desde
entonces (hablo del ´86) y ahora me animé a entrevistarlo. Menciona
épocas, músicos y circunstancias que revelan mi ignorancia acerca de
otras épocas, de otros músicos y de otra música uruguaya; también
menciona músicos que nunca vi ni escuché. También habla de jazz, de
guaracha y de salsa (algo también desconocido para mí). Esta nota era
para alguien con mayor conocimiento de causa, pero lo mío era
entrevistar al baterista del "Totem" y esto fue lo que salió:
¿Cómo arrancás en el tema de la música y más específicamente con la batería?
Yo arranco con la música allá por el '57, en la ciudad de Las Piedras.
¿Vos sos de Las Piedras?
No soy de Las Piedras, soy de Montevideo pero me fui a vivir a Las
Piedras en el '57. Mi padre era carnicero, tenía carnicería y yo
trabajaba de cajero. Y resultó que pegado a mi casa vivía un baterista,
Enrique Cabrera, que me invitó a tocar.
¿Enrique cabrera tocaba en alguna agrupación conocida?
No, Enrique Cabrera era un gran baterista que enseguida consiguió
contrato con “Suspiros de España", se fue para España y nunca más
volvió; está recorriendo mundo todavía. Nunca más apareció por acá.
¿Vos estudiabas con él?
Sí, yo estudiaba con él y me orientaba; me vendió mi primera batería.
¿Por aquél entonces que música escuchabas?
Sobretodo escuchaba y tocaba, porque él me puso a tocar enseguida con
una batería Gretch muy elemental: un bombo, un tambor, un ton-ton chico y
un plato. Y teníamos un grupito que hacíamos muchos baiones bailables
con acordeón, trompeta, batería y bajo. Ahí empecé y después se juntó
una crema muy buena allá que eran los Crespo, los Trobo, los de
Oliveira, los Carámbula y se armó una orquesta de dixieland con buenos
elementos y sonaba que era precioso. Nos cultivábamos en esa escuchando
mucho dixieland, escuchando a Armstrong, a Pee Wee Hank. Escuchando lo
que se podía conseguir de dixieland y ensayando diariamente. Dando algún
recital en Las Piedras.
¿También tocaban en bailes?
A veces hacíamos algún baile con invitados, pero era más bien para
recital, porque el dixieland no es muy bailable, es muy alegre pero no
es muy bailable, es escuchable. Y de ahí nos surgieron conciertos;
después todos nos vinimos a estudiar a la Peña del Jazz de Montevideo,
que estaba en Rondeau y Mercedes. Era una peña maravillosa,
especialmente para nosotros que tendríamos quince o dieciséis años. Allí
era un culto de la música de jazz en general. Había grandes maestros
como Pasquet, Quinta Moreno, Dardo Martínez, Alberto Alonso, Silvera
Lima, cantidad de maestros ¿viste?, que nos enseñaban a todos nosotros
lo que era el jazz, la cultura del jazz. Había mucha discoteca, mucha
lectura, había gente muy culta y ahí aprendimos y nos formamos. Después
me vine a vivir a Montevideo y empecé a trabajar con Jorge Lencina en
jingles, con Jaime Durán en cabaret y en boites; hice muchas tareas.
Digamos que a esa altura ya eras un músico profesional.
Sin lugar a dudas, para ese entonces ya había tocado con todo el mundo.
Después de lo de Jaime Durán, donde también tocaba Huguito Fattoruso con
nosotros. La orquesta tocaba en "Orfeo Negro" de Carrasco, una boite:
éramos Jaime Durán, Tito Caballero, Enrique Aguilera y Roberto Galletti,
ese era el cuarteto. Luego se sumó Hugo Fattoruso.
¿Y qué música hacían ahí?
Música brasilera, boleros, alguna cosa de Ray Charles, algún temita de
jazz estándar. Hugo estuvo años allí con nosotros, después se fue Durán,
me fui yo, se fue Aguilera y entró Hugo con el trío de él, con Osvaldo y
con Pelín de bajo, también estuvo tiempo ahí. Luego me fui para el
Hotel Lancaster con Manolo Guardia, Héctor Rossi, Juan Lamas y ahí
trabajé años también. Luego vamos a Sarandí 640, una boite muy bonita,
con un grupo que armó Juan Lamas que se llamaba "Alfa 4". Estaban Juan
Lamas, Enrique Deboni, Mary Lamas (la señora de Juan) y yo. Era un grupo
muy bonito, se cantaba a tres voces, hacíamos temas de Jair Rodrigues,
Elis Regina, de María Bethania, de Joao Gilberto, de Antonio Carlos
Jobim. También hacíamos boleros, alguna guarachita que otra… y ahí nos
contrató George Roos (el tío de Jaime) para ir a España y nos surgió el
contrato y allí estuvimos cuatro años trabajando a todo nivel.
Maravilloso, alternábamos en los mejores boliches, era un grupo de la
gran puta. Alternábamos con Serrat que recién empezaba, con Raphael, con
Antonio Gadés ¡Alternábamos con todos los cracks de allá! Una belleza. Y
nos fue muy bien, ganábamos muy bien, coche, casa, batería, andábamos
bien de bien.
¿De qué año estamos hablando?
Y allí estuvimos del ´67 al ´70.
¿Y por esa época ya tenías contacto con grupos como El Kinto?
Yo toqué con un grupo que se llamaba "Omega", con Mateo, antes de "El Kinto".
¿Quiénes integraban "Omega"?
Estaban Mateo, Antonio Lagarde, Enrique Deboni y yo. Nunca pudimos
grabar y no tenemos registro de eso; tenía una cinta madre de aquello
pero me la robaron. Hacíamos música brasilera.
¿Y Mateo no metía alguna composición propia por ahí?
No, todavía no estaba en cuestión de componer en esas épocas, no era
compositor, él tocaba y tocaba precioso, tocaba que era una belleza.
Tomaba leche en los boliches; vos sabés que yo me tomaba una caña y se
enojaba conmigo. ¡Mateo tomaba leche, se cuidaba que no te imaginás lo
que se cuidaba!
Después de tu periplo español llega el "Totem".
Sí, después de lo de España, me vine con la intención de volver allá y entonces surge el "Totem".
¿Y cómo surge?
Mirá, es medio complicado porque Rada se pasaba en mi casa componiendo
todo el día, se pasaba en casa porque era novio de mi prima y estaba
como un pariente. Se pasaba todo el día en casa, comiendo, jodiendo,
haciendo chistes y componiendo. Y ahí apareció Eduardo (Useta) con
Lobito (Daniel Lagarde), Lobito consiguió al Gordo Rey (Enrique Rey);
bueno, Lobito y yo porque el gordo Rey también tocó conmigo en "Orfeo
Negro", y el Lobito lo llevó a probar. Empezamos a ensayar en el Hot
Club, las ideas eran todas de Rada.
Pero los arreglos eran del grupo.
Se arreglaba entre todos, el Lobito aportaba la parte armónica, Useta
también más los solos y los punteos, Rey acompañaba a toda máquina,
Cabral y yo hacíamos lo rítmico con mucho equilibrio. Elementos muy
profesionales todos.
Entonces no había muchos bateristas que tocaran candombe en el
instrumento. Los nombres que me vienen a la mente son los de Luis Sosa
("El Kinto") y vos, con lo cual no quiero decir que fueran los únicos.
Fue como que lo inventaron.
Lo inventaron Bebe Bassi y el "Loco" Prendes, porque eran mayores que
nosotros y los primeros en grabar con Manolo Guardia, con Escayola; allá
por el '66 ya estaban rimando candombe como locos en la batería.
De cualquier forma, creo que lo que hicieron Sosa y vos fue sentar las
bases de cómo se hace candombe en batería hasta la actualidad, pienso en
bateros como Gustavo Echenique y es notoria la influencia de ustedes en
lo que vino después.
Sí, a mi Fernando Cabrera cuando me ve tocar me dice piropos. Me dice:
“Galo vos no sabés lo que aprendo cuando te veo tocar la batería, los
silencios tuyos son muy bonitos”, y pila de cosas más. ¡Imaginate,
Fernando Cabrera, un guitarrista que toca divino! Y yo le digo: “¡Cómo
me alabás y cómo te agradezco, capaz que tenés razón!
Pero escuchando el primer álbum del "Totem", también hay cosas de jazz, de rock´n´roll. ¿Eso también eran ideas tuyas?
Mirá, todos aportábamos en todo, había un aire muy bueno. Y cuando digo
un buen aire me refiero a un buen estado de cada individuo, que la
economía andaba, cada uno tenía su trabajo, no se estaba llorando,
mendigando desesperado para pagar tal o cual cosa que la cabeza se te
va. No, cada uno estaba centrado, tenía su casa, se comía bien, se
estudiaba, se trabajaba, tenías tu novia, tu familia. Entonces, se hacía
más fácil complementar un grupo que se entienda, que se logre, que se
salga y que sea una cosa interesante. Que sea agradable como ha sido el
"Totem", que lo nombran todavía. Y "El Kinto" fue una cosa similar, una
belleza que no te cuento. Yo lamentablemente estaba en España cuando las
mejores sesiones de "El Kinto"; escuché después las grabaciones, una
cosa preciosa.
¿Y con el "Totem" dónde se presentaban?
Más que nada tocábamos en bailes y no era orquesta para bailes ¿sabés?,
la gente se paraba a mirar, no podían bailar. La paisanada se paraba,
pero como era tan agradable el espectáculo, había tanta musicalidad,
tanto movimiento, tanto color que la gente lo aceptaba.
¿Y con qué bandas alternaban?
"Psiglo", "Los Campos", "Los Killers", "Las Sandías", "Días de Blues",
"Opus Alfa", con todos ellos; buenos bailes en la Aguada, en La Caldera
del Diablo, en el Club Nacional de Football, Centro de Protección de
Choferes; por todos lados tocó el "Totem", recorrimos todo el país.
¿Y después?
Bueno, en un momento luego de un baile, vi que me había sangrado una
mano y yo dije no, ya es demasiado para mí. Aquello me estaba
desgastando.
¿En qué sentido?
Mental, la música para mí era muy violenta, mucho volumen y yo no estaba
acostumbrado a la música muy fuerte; puedo tocarla y sé hacerla, pero
aguanto hasta ahí nomás. A mí más bien me gusta trabajar en acústica,
que podés tocar con escobillas, metiendo algún golpe con el palo,
trabajar con acústica, matizando. O tocar jazz con contrabajo, piano,
vientos, pero no a esos volúmenes roqueros que se te metían en la cabeza
y a mí me la destrozaban. Y se tocaba fuerte, se tocaba muy fuerte y
cuando me sangró la mano, bueno... fui al médico y me paró, me dijo que
no toque más, me hizo descansar y dormir dieciséis horas por día y me
calmó, me hizo bien.
¿Y era muy intenso el trabajo por entonces?
No, se ensayaba todos los días y se tocaba los fines de semana no mucho,
dos o tres actuaciones. A mí se me tenía muy en cuenta y Alfonso (López
Domínguez, el manager) entendía que el desgaste era muy grande y no se
agendaban muchas más actuaciones. No se exageraba.
Escuchando el primer disco de "Totem" y cuando te vi en la Sala
Zitarrosa en el recital de Diane Denoir, me llamó mucho la atención la
fineza que tenés con los platillos. Es un trabajo muy fino y poco
frecuente ¿Es algo que lo estudiaste o que lo fuiste desarrollando a
través del tiempo?
Mirá, yo tuve la suerte de tocar todos los días del ´57 al ´70, y el
hecho de tocar todos los días con gente que ejecuta bien y te enseña
continuamente, como los pianistas o los bajistas, que te dicen: "no
rajen, matizá acá, tocá esto acá", además de los profesores que yo he
tenido...
¿Qué profesores?
Roberto Sorrentino, primer maestro del SODRE; Enrique Cabrera, Cacho
Trobo, Regolí en España, Pepe Nieto también de España, esos son mis
maestros digamos prácticos, en cuanto a estudio.
Esto hay que decirlo, mientras vos llevabas adelante tu carrera como músico profesional, seguías estudiando.
Estaba todo el día estudiando en casa, tocaba de noche y estudiaba de día.
¿Y cuántas horas estudiabas?
Mirá, era demasiado, estudiaba todo el día; mate amargo, Gene Krupa,
Cozy Call, Goldenberg, todos los métodos, la tabla (practicable) y
técnica y ejercicio. Alguna noviecita de vez en cuando, ahí al costado,
tranquilito y con respeto, pero la música primero. Estudiar y estudiar
es lo que más me dio resultado. Y respetar.
Vuelvo un poco a lo de antes, lo que tocás en el charleston no es algo frecuente en la música uruguaya.
No es frecuente y no es fácil tampoco. Eso aparte de estudiarlo, cuando
tocás todos los días te da una cierta agilidad en la pierna y el dominio
que tenés es casi automático. Pero requiere estudio sin lugar a dudas. Y
eso no sólo lo hice con el "Totem", hay grabaciones que hice con Mike
Dogliotti. Allí además de Dogliotti y de mí, estaban Federico García
Vigil en el bajo, Huguito Jasa. Los álbumes se llaman "Chikalanga 3 + 1"
y "Despedida", son medio comerciales si se quiere, pero son muy
agradables de escuchar y están muy bien logrados. No es sólo el "Totem",
he grabado con Zitarrosa, Diane Denoir, con “Pareceres” tengo trabajos
hechos de timbaletas, no sólo de batería.
¿Sos percusionista también?
No, percusionista no, pero si no hay batería... También grabé cosas que vos no tenés ni idea.
¿Por ejemplo?
Girondo, La Cinta Verde en el ´58 o ´59, con Héctor Rossi, con Alonso,
con Pasquet, con unos brasileros, con orquestas de cuerdas, en la
fonoplatea de "El Espectador", si sigo acordándome no te cuento.
¿Y de la música uruguaya actual, qué es lo que más te gusta?
Y lo más lindo que he escuchado es lo que se sabe, es decir,
comercialmente, porque yo soy medio que me tiro al comercio porque yo
considero a la música una profesión y un trabajo y te tiene que aportar.
Yo no puedo hacer música-arte porque yo no vivo de ella. Quizá ahora de
viejo pueda dar manos en algunos lados, pero si el trabajo musical no
te genera un ingreso, vos no podés vivir. Entonces para mí vale el
comercio, como Jaime Roos, Ruben Rada, El Sabalero, Braulio y Pepe, Leo
Maslíah, Cuarteto de Nos, gente que está armada, sabe lo que hace y sabe
de qué se trata.
Estás dando clases ahora ¿qué es lo que más te piden los alumnos?
Lo que más quieren es rock´n´roll. Yo se lo puedo enseñar, pero yo le
voy mechando, yo les doy conceptos de rock´n´roll, les doy formas, las
bases digamos, les enseño a golpear, pero que no golpeen muy fuerte e
intentar que apacigüen la cosa porque no es todo golpe, a hacer técnica
en la tabla; tengo lindos métodos. Y a los que no saben las divisiones
les enseño a leer, las corcheas, las semicorcheas, los silencios, los
puntillos, el doble puntillo, lo que significa, mano izquierda, mano
derecha; los voy llevando por el camino baterístico. Les enseño ritmos
de todo tipo, desde el baión, la rumba, hasta el cha-cha, la guaracha,
pasodoble, murga, candombe, pasa por todo ¿viste? Jazz, diferentes
estilos de jazz, les enseño dixieland, les enseño swing, hot, a medida
¿viste?
Me contabas (previo a esta entrevista) que andás tocando por ahí.
Sí, en el Mercado de la Abundancia cada dos jueves hay sesiones y yo
estoy ahí como invitado especial, no estoy contratado, voy por amistad,
sociabilizo con los músicos y me invitan a tocar. La gente me dice
¡Galo, tocate una! y yo no desprecio. Están Ameijenda y Mingo Roverano,
Chiche Bella, Quique Cano, Bertolone.
EPÍLOGO
Me encontré con Galletti y me encontré con una época en que los músicos
vivían dignamente de lo que hacían, se tomaban en serio a la música, y
la música en vivo era preponderante en la movida nocturna (y no
necesitaban a miles de personas para que su trabajo fuera efectivo).
Luego llegaron los disc-jockeys, los cassettes, los CDs, las radios, los
MP3 y terminaron con una cultura de música en vivo (y esto no fue solo
en Uruguay) que era muy saludable. 01 de abril de 2006
Foto extraida de Las cintas recuperadas Como ya dige baterista del primer Totem pero dejo un video que para quienes conocendice mucho mas que muchas palabras...
Si
vieron la entrada anterior y les gustó, pienso que este disco tambien
les va a gustar, en la entrada anterior deje un extenso informe de los
diferentes músicos, aclarando que el excelente reportaje a Galletti es
del blogg " las cintas recuperadas", como lo encontre muy bueno lo
transcribí.
SE
LO RECUERDA MUY POCO. LA MEMORIA COMPAÑERA QUIERE RENDIR HUMILDE
TRIBUTO A QUIEN FUERA UN HOMBRE DE TALENTO Y FRATERNO SER HUMANO. EL
CANDOMBE LO TIENE COMO UNO DE SUS HIJOS PREDILECTOS Y EL JAZZ LO
RECONOCE COMO EXIMIO EJECUTANTE.
Luis Grene
Raíces
"afros" en dos músicas que Alberto "Mike" Dogliotti interpretaba en el
piano, el órgano y el vibráfono o xilofón. Un montevideano que fue un
viajero por toda América y Europa desde muy joven. Su sólida formación
musical nació en lo clásico y luego hacia las vertientes negras. En el
Ateneo de Montevideo de la Plaza Cagancha da su primer concierto aún
siendo un niño e interpreta a Bach, Beethoven y Mozart. Ya adolescente
recorre el Interior del país en la década del 50 y asombra a todos
ganando dos veces el concurso Juventudes Musicales organizado en el
viejo Estudio Auditorio del Sodre. Con apenas 17 años realiza su primer
viaje a Europa y estudia en el Conservatorio de Viena. A su vez difunde
en el viejo continente la música de Fabini y otros autores uruguayos. Su
gran cambio de lo clásico a lo popular fue por su vinculación al
carnavalero y publicista Carmelo "Lito" Imperio que lo lleva a un
programa que tenía en los viejos galpones de Saeta. Ahí conoce a quien
sería su gran amigo, el pianista Hebert Escayola que lo ayuda a trabajar
profesionalmente en la noche montevideana. Toca en la boite La Cabaña
de Carrasco donde debuta como pianista de ritmos populares y comienza a
vivir de su arte. De esos finales del año 1958 a principios del 59 lo
recuerdan muchos veteranos que fueron noctámbulos y se deleitaban con su
piano que amenizaba las noches del Club Náutico de Carrasco. Ahí
comparte las veladas con el tanguero César "Potrillo" Zagnoli con quien
inicia una gran amistad. Luego ya es una figura habitual de las noches
del Centro montevideano. Actúa tanto en sitios populares como una
vinería llamada La Caverna y también en lugares refinados como la boite
del Hotel Columbia que estaba recién inaugurado. La fonoplatea de CX 16
Radio Carve lo tiene como visitante habitual y su nombre se identifica
con el sonido candombero. Por 1964 lo contratan en el Victoria Plaza par
su boite llamada El Techo. Realiza varias giras por países como el Perú
donde es una estrella de su televisión y viaja a Miami donde se
entusiasman con su combinación del jazz y el candombe. Por los años 70
abandona por un tiempo sus continuas giras y es cuando graba algunos
discos acompañado por varios amigos que son virtuosos instrumentistas.
Son los músicos que conoció cuando tocaba en "La Peña del Jazz" y en el
"Hot Club". Talentos como el baterista Galletti, de reciente
desaparición, el popular "Bachicha" Lencina, Manolo Guardia, "Pipa"
Burgueño, "Finito" Binger, entre otros que lo ayudan en esas primeras
grabaciones para el sello Sondor. Junto a Federico García Vigil, Hugo Jara y
Galletti graba el mítico disco "Chicalanga" que tiene el inolvidable
tema "Don Pascual". Por 1972 invita a Tito Caballero y a los Hnos. Silva
en tamboriles para realizar el disco "Candombe Liso" que tiene surcos
como "Cheché", "Ahí va la comparsa" y "Palo y tamboril". Por el
año 1981 emigra del Uruguay y se radica en La Gran Canaria en la ciudad
de Maspalomas donde trabaja en sus centros nocturnos y se dedica a dar
clases a niños y jóvenes. Graba otros discos y se destaca "Piano
Concert" de sublime elaboración. Difunde el candombe junto a tangos y
milongas. En La Gran Canaria lo llaman "El Marqués de Montevideo" y
actúa en el cotizado "Misty Jazz Club" de La Playa del Inglés en
Maspalomas. En esa ciudad fallece en un accidente en julio de 2007 Mike
Dogliotti un viajero incansable que hizo latir su corazón a puro jazz y
candombes. Con más recuerdos y música los esperamos en CX 40 Radio Fénix, todos los domingos a las 18.00 horas.
Aclaro que el disco esta digitalizado a partir de una placa de vinilo
Los músicos
Por si no se entiende
Alberto "Mike" Dogliotti – organ Federico García Vigil – bass Pipa Burgueño – drums Tito Caballero – sax and flute Hnos. Silva (Morenada) – drums
Los temas
Por si no se entiende
Ahí va la comparsa (Pedro Ferreira) Siempre tú (Hugo y Osvaldo Fattoruso) Negro en sol menor (Daniel Lencina) Cheche (Manuel Guardia - George Roos) Abuelo regálame un tamboril (Hugo Balle) Candombe (Hugo y Osvaldo Fattoruso) Chiquillada (Jose Carbajal) Biafra (Rubén Rada) Palo y tamboril (Manuel Guardia - George Roos) Candombe de mi ciudad (M. Núñez - Soto Blanco)
Segundo
el sonido del grupo a mi gusto es fantastico, realmente suena muy bien,
una mezcla de jazz y rock melódico pero a la vez con fuerza, muy
agradable al oido, con muy buenos arreglos y un despliegue de buena
tecnica en todos sus músicos. Es hasta increible que el bajista sea
uruguayo, Urbano Moraes, el de El Kinto,
de Musicación 4 1/2 y muchisimas participaciones con diferentes músicos
uruguayos, aparte de tener 5 discos como solista. Para más información
de Urbano haciendo "click" en su nombre en la formacion de Iman, te
vinculará a Wikipedia donde aparece un artículo del músico.
Reseña del grupo Iman extraida de Wikipedia
El impulso de la banda se debió al guitarristaManolo Rodríguez, que había estado en el grupo Goma; a Marcos Mantero, teclista procedente de Gualberto Y Germán Rodriguez-Hesles García. Ya con anterioridad, habían tenido una banda común, Chicle, Caramelos y Pipas. En un primer momento, la banda incluía también al polifacético músico Luis Delgado, aunque apenas permaneció unos meses en la formación. El grupo se completó con el bajista Iñaki Egaña, que había estado en el grupo de funkBarrabás; y con el batería de Jerez, Kiko Guerrero.
Su primer disco, "Imán, Califato Independiente" (CBS, 1978) estuvo producido por Teddy Bautista y Ricardo Pachón, con un sonido etéreo, de gran clímax, quebrado por pulsaciones flamencas.[1] Para muchos críticos, sobre todo su cara A de un solo tema, Tarantos del Califato Independiente, es una de las cumbres del rock sinfónico andaluz, con 20 minutos sin abandonar un tono flamenco-moruno, en un dechado de frescura, fluidez y elegancia.[2] Del disco se extrajeron dos singles de buen recorrido comercial: Tarantos/Canción de la oruga y, sobre todo, Darshan (partes I y II). Éste último tema se convirtió en su tema de referencia en los conciertos.
Después, el músico uruguayoUrbano Moraes, sustituye a Iñaki en el bajo, y acompañan a Lole y Manuel en su cuarto Lp. En 1980 editan su segundo álbum, "Camino del águila", con influencias de ritmos brasileños y arábigos, y mucha menor incidencia. La banda se disuelve ese mismo año.
Poco más tarde, y bajo el nombre de Mantero y Rodríguez S.L., publican un single tecno, Sobre ondas, ya en 1981. Después, ambos se van a Madrid para trabajar como músicos de estudio. Con el nombre de Manuel Imán, Manolo Rodríguez edita algunos discos antes de trasladarse a Malibú, donde sigue grabando.
En 1986 celebraron los diez años del grupo con una actuación aislada en Jerez de la Frontera.
Ahora sí. Luego de 5 años de haber lanzado su CD Volumen II
se reúnen Los Kafkarudos
para presentarlo por primera vez ante el público.
Los KAFKARUDOS son: Gastón Ciarlo "Dino", Tabaré Rivero,
Walter Bordoni y Alejandro Ferradás.
Con la participación especial de Macunaíma,
Shyra Panzardo en bajo y Andrés Burghi en batería.
en laSala Zitarrosael
domingo 18 de noviembrede 2012 a las 20:30 horas
La
música popular uruguaya vinculada al rock ya ha pasado los 40. Y los
integrantes de Kafkarudos tuvieron mucho que ver con el desarrollo de
ese territorio en diferentes etapas. Desde comienzos de los 60 hasta
hoy. Pero no se trata aquí de intentar resumir las trayectorias de
Gastón Ciarlo “Dino”, Eduardo Darnauchans, Tabaré Rivero, Walter Bordoni
y Alejandro Ferradás. Sería imposible.
Bien
lejos de considerarse héroes del rock’n’roll, bien cerca de
identificarse con personajes kafkianos que se enfrentan a un mundo cuyas
reglas no llegan a comprender. Así se fue elaborando el proyecto. Así,
con esa concepción que los cinco comparten naturalmente sin necesidad de
explicitarlo. Primero fueron los bocetos, casi cálculos combinatorios
para repartir todo con generosidad. Luego las composiciones: una del
Darno y Walter, letras de Dino para que Tabaré les pusiera música,
letras de Walter y Tabaré que musicalizaría Alejandro, y así
sucesivamente. El delicado estado de salud del Darno no doblegó a sus
cuatro compañeros, quienes siguieron adelante con la esperanza de poder
contar con su presencia al momento de concretarse la grabación. Un par
de ensayos en Montevideo y un fin de semana en Dolores, en la casa de
Dino, fueron suficientes para elegir las mejores ideas, armonizar voces y
poner el común denominador de sus influencias, estilos y preferencias.
Así, entre guitarras, vino y ravioles caseros; con modestia y sin
liderazgos; con un trabajo en equipo inusual para una banda de estas
características. Finalmente, los fantasmas de los legendarios estudios
Sondor fueron testigos de esas cuatro jornadas donde ninguno rompió el
pacto. Desde algún lugar de Sansueña, el Darno les sonrió en paz. ¿Quién
no ha contemplado alguna vez su propia vida con extrañeza? ¿Quién no se
ha sentido como un bicho raro rezagado del pelotón? … Para todos
nosotros está el regalo de este disco, con estos textos, músicas, voces,
poemas, canciones. Una obra gestada a través de un periplo que me
motivó a seguir creyendo en el arte.
